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这一首很明显是很接近于民间舞蹈的。开始像风笛，要弹得很随意，有的地方有神游太空的感觉，又有些地方像民间舞蹈中飞起来的感觉。
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- 这支《玛祖卡》是萧邦早期作品中比较复杂，很重要的一首。
这首《玛祖卡》要弹得很自由，但自由里头要有原因，难就难在这儿。结尾的节奏不能变，还是要保持空灵的感觉。最后永恒的在那儿转，不要拖泥带水。
都说萧邦是钢琴诗人，他的音乐全是诗的境界，有些是一刹那的念头，好像那儿是个惊奇，或者是个问号，这个问号到最后才到fermata[延长记号]，总之，有种空灵的感觉。对音乐的理解，除了音乐感以外，一定要有王国维讲的境界，所有的艺术都是这样。每个曲子都有独特的境界。可以弹得音乐感很好，但没有独特的境界，就成不了真正的艺术。
开始的时候，轻和响的对比还要明显一点，响的时候要弹得干脆一点。好像一个问号在那儿转来转去，一定要一口气，同时里面又有变化，这就是玛祖卡难的地方，要有一种灵气。还有要特别注意轻响问题。每次回国来讲学，在其他任何地方也都讲下面一个道理，其实这个道理还是来自我们的老祖宗。Richard Strauss[理查·斯特劳斯)有句名言：看见diminuendo[渐弱]就该想到crescendo[渐强]，看见crescendo就该想到diminuendo，看见accelerando[渐快]就该想到ritardando[渐慢]：看见ritardando就该想到accelerando。这个道理就是说，要轻下来，就要偷一点过来，反而要稍微响一点，这样人人都会感觉到是轻下来了，不然，不这样轻下来，就死掉了。慢起来，快起来，都是这个道理，事实上就是个平衡问题。中国人讲阴阳问题，整天都在那儿平衡，我们中国人从前最讲究平衡，最近一百年来最不平衡，那是另外一回事，我们这个国家发了很多疯，那是近数十年来的事情。中国从前那些伟大的思想家很讲究平衡，也很懂得平衡的道理的。在美学上在艺术上都很讲究平衡。
音符长与短的比例永远是相对的，总之，要成一定的比例，不能比例不对。还有要注意萧邦的pedalling[踩踏板]，要不要踩踏板是不一样的，这就是颜色。这个《玛祖卡》很难，非常特别。
萧邦《玛祖卡》里有很多微妙变化，这首《玛祖卡》是很有哲学意味的。有一个基本问题，注意左手的和弦。节奏虽然有很多变化，但基本上是一二三，玛祖卡难在哪儿呢？玛祖卡里，萧邦把一种民间舞蹈升华到了诗的境界，所有的自由都在节奏里，是无穷的，节奏本身就变成很不可捉摸的。如果再听我弹一遍的话，一定很不一样，可是基本上还是玛祖卡感觉。弹这个《玛祖卡》比弹很大的贝多芬奏鸣曲还要难。萧邦的玛祖卡是独一无二的，以后从来没有人能把玛祖卡写成这么诗化的境界，正是前无古人，后无来者。今后决不可能有第二个人能写出这样的玛祖卡，尤其是萧邦最后的作品五十九、五十六那些最高峰的作品。
玛祖卡里面，右手本身是旋律，同时也有玛祖卡节奏，左手的音符不是纯粹的伴奏，里面都有melody[旋律]。弹玛祖卡，左手要单独练，练得很熟，把隐藏的节奏、旋律都掌握住。如果能做到光弹左手，就很好听，再把左右手放在一起练。永远把左手和右手的所有变化都做到，才会有一种灵动性。要不，如果两个手都一样，就不会好听。感觉上，左手要比右手轻灵一点，有一种浮动感。左手先要会跳舞，右手再配上，才会灵活起来。再有，凡是看到一个八分音符，再加上一个十六分音符，中间有个十六分音符的休止符号，没有例外的，每一次都是要呼吸的地方，这样有时候可以多点rubato[速度的伸缩处理]，借点还点，音乐永远是流动的，永远在那儿跳舞，好像是在空气中浮动的舞蹈，诗化到了那个高度。玛祖卡中那些句法，跟莫扎特也有着千丝万缕关系，都有特殊语言。
凡是谱子上写的legato[连奏]，就弹legato，谱子上没有写legato，左手永远是分开的。一定要感觉和声的变化。每一次要使人感到从小调变到大调，不是每一次都要响起来，往往相反。对crescendo[渐强]或diminuendo[渐弱]，不要望文生义去做，应该从整个句子去体会。尤其是crescendo，crescendo有时并不是一定要加响，而是增加，是心理上的一种增加，有时不应太响，写的是crescendo，弹的时候甚至是diminuendo，给人的感觉却是crescendo。有时同一个音符，颜色会完全变的，假如是弦乐器的话，可以变低一点，音符颜色就会变。钢琴这种乐器很可怜，无法那么变，那就得靠耳朵的感觉和对时间的默契，就是说这个音符什么时候弹下去，会给人一种错觉，好像颜色完全变了。所有这些问题往往是耳朵的问题，如果学音乐的人不用耳朵，每一秒钟都在敏锐的听，音乐永远学不好。另外，线条不能断，只有分句分得很清楚的时候，才能使人感觉到连绵不断。不能像瞎子摸象那样，一定要对音乐对和声有感觉，钢琴是个很机械的乐器，要靠耳朵去感觉。如何处理踏板也是如此，所以钢琴上要成为好音乐家是加倍的难。我每一次弹可能都有点不一样，基本上文法却一样，文法最重要，文法不能自由，好比写文章，文法不通文章就不通，没有什么好与坏的问题。
总之，两个手都要很独立，要先分开独立练，然后合在一起，有的一个手里就有两个声部，简直有跟巴赫一样多的复调。
我教玛祖卡教得很辛苦，在别处讲课也这样。每一次示范都不一样，学生无所适从，可是听起来觉得都是玛祖卡。这没有办法，一定要抓住玛祖卡内在的精神，然后每一次都可以很自然的发挥。许多节奏如果都一样就毫无意思，没有发展了。弹琴的人投入一点，陶醉一点，让音乐带着你走。这种节奏从哪儿来的呢？现在有人研究，在巴赫时代，那时候的演奏方式是要以不平均的方式来弹，第一次是平均的，第二次就得有变化，不平均。萧邦的那种节奏，就是从那里来的。
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这是萧邦的最后一个作品，在病床上写的，所以原谱非常不清楚，你们用的版本很不完整，事实上原来的谱子上还有一段A-B-A-C-A，就是还有一个C。波兰钢琴比赛评委会主席Ekier，也是个萧邦的版本权威，他根据原稿重新整理出来一本这个作品的完整谱子。这个曲子既然是萧邦最后的作品，有人说似乎是死了以后写的，可以想象好像一切都已经结束，作为玛祖卡来讲，不是那么强烈的玛祖卡，有点有气无力，但玛祖卡的节奏都在那里，弹的时候一定要感觉到节奏，特别是要作为和声来理解。中间有一段好像在病床上起来了一下，似乎是回光反照，马上又是有气无力。低音部分好像有一种命运固定在那儿，特别凄凉。我们只能去感受，没法教的。