19世纪著名的美学评论家Walter Pater曾经给“浪漫主义”下过一个定义：“美丽，再加上一丝新奇”。这个定义看似简单，但却很好地概括了浪漫主义的精髓所在——“自由、活跃和激情”。从音乐上来看，这对古典主义时期所倡导的“秩序、平衡和克制”似乎是一种彻底的颠覆，然而浪漫主义时期的作曲家们并没有完全摒弃前人所留下的宝贵遗产，调性音乐与奏鸣曲式依然是作曲家们最重要的创作基础。
浪漫主义起源于18世纪的英国，并随着法国大革命的爆发而迅速发展开来。实际上，浪漫主义音乐与这场大革命背后的根源是一致的——对个体价值的肯定，以及对人身自由与思想解放的向往。浪漫主义时期的作曲家对自身价值的重视和追求尤为明显。他们把自己看作是“独立”的艺术家，他们的创作也不再是为了取悦那些少数的赞助者，而是希望得到广大中产阶层的理解和共鸣。而且作曲家们也明白要想感动别人，首先要敢动自己，因此他们希望挖掘出内心深处最感人的部分，并通过音乐传达给听众。
大多数音乐学者都认为贝多芬是古典主义过渡到浪漫主义的关键性人物。从他晚期的作品里，我们可以清晰地嗅出浪漫主义的味道。也正是从贝多芬开始，浪漫主义音乐逐渐发展并繁荣起来，直到第一次世界大战前后被现代主义所取代。
对于浪漫乐派的作曲家们来说，室内乐也许并不是最能发挥个人音乐才华的创作形式。因为它既不像钢琴独奏曲那样可以充分表达个人的情感与理念，也不像管弦乐那样具有丰富的音色和强大的震撼力。因此那些更为“激进”浪漫乐派作曲家，例如白辽士、李斯特、肖邦、马勒以及瓦格纳等人都很少关注室内乐，也基本没有什么室内乐的代表作。
但是大多数浪漫乐派的作曲家并没有放弃室内乐，尤其是那些依然坚持某些古典创作理念的人们，例如舒伯特、门德尔松以及勃拉姆斯等人都有大量的室内乐作品传世，这些作品兼具形式上的美感和浪漫的抒情，很多都已成为室内乐的经典之作。同时，思想上的进一步解放使作曲家们开始尝试采用更多的乐器来丰富自己