国画与油画之不同在色彩

2021-05-05 11:39阅读：

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国画与油画之不同在色彩

在画家看起来国画和油画的区别一目了然，非常清楚，但许多不接触美术的朋友却完全闹不清。有一次我带几位老琴友去参观画展，向他们普及，这是国画，那是油画，但大家奇怪，这不是全都一样吗？你怎么知道这是油画那是国画呢？我也觉得奇怪，难道你们看不出油画是画在布上，国画是画在宣纸上吗？他们更觉奇怪：“什么？那是布吗？这是纸吗？”我简直哭笑不得。
当然，这些是完全的画盲，不去说他。即使一些美术爱好者，虽然不至于分不清布和纸，但对于油画和国画的深层区别仍然分不清。我想二者的不同大概有这样一些：
首先当然是文化的不同，造成审美的不同，比如中国水墨画那种情趣，绝对异于西方画。不过这个问题太深太庞杂，我们暂且不讨论，只谈谈画法画技上的不同。
首先第一点，当然还是材料的不同，油画一般是用油调着覆盖力很强的油画颜料画在画布上，国画一般是用水调着墨汁及国画颜料画在宣纸或绢上，由此造成效果的明显不同。
第二点，油画是焦点透视，每幅画一般都有一个焦点，跟我们用照相机拍到的一样。而国画是散点透视，尤其那种长卷，等于画家边走边看，把沿途景色一一画下来。如果打个比方，就好像我们用照相机拍一条胡同，边走边拍，然后把照片全部接起来。
第三点，在一般情况下，油画以表现块面为主，对轮廓多不勾勒，国画则以线条为主，除了勾轮廓之外（描法），表现山石质感也多用线条（皴法）。
但凡事都有例外，在油画中也有一些现代画派是要勾勒线条的，但这种线条与国画中的线条完全不一样，一望便知。而在国画中也有一些是不勾线

条的，即“没骨画法”。
国画的线条其实跟中国书法中的笔画是一样的，所谓“书画同源”。只有字写得好才能画得好。有这样一个故事，一位老书法家向老国画家学画，画家让他画两笔看看，书法家画了几笔兰花，画家说你现在已经超过我了，还跟我学什么？而油画即使勾勒线条也绝对不像中国书法的笔画，油画家学国画，画得再漂亮，国画家一眼就能看出他没有中国书法功底。
第四点，油画和国画中都有虚实关系，国画中的近景一般比较实，一枝一叶都交代得很清楚，远景可以虚一些，淡一些，比如远山远树。油画也基本上是这样，近景清楚，远景模糊。
但二者还有些不同之处。油画即使在近景中也有模糊处理的虚化，比如画一个人，正面的五官一般比较清楚，但转过去的侧面，比如侧后的头发，甚至脖子、额角、耳朵，就可能模糊，以表现那种“转过去”的效果，有点像那种景深很短的摄影作品。甚至半侧脸的两只眼睛，较远的那只也可以模糊一点。又比如近景中的一丛花，最靠前，最显眼的几朵可能很清楚，但稍微靠后的，边缘的几朵就可能很模糊，很虚。这样就能把几厘米的距离拉大到好像几米那么远，能充分表现出空间感，立体感。而国画一般不这样处理，起码近景都是清楚的。
不过我个人感觉，国画和油画的最大不同还不是上面那些,而是在第五点——色彩上。简要说，国画以墨色为基础，油画则以冷暖色对比为主。有些以前一直画国画的学生，后来又学油画，我一眼就能看出他的底子是国画，因为在我看来，他的油画没有色彩，尽管画面上也许五颜六色。

国画与油画之不同在色彩

这幅油画虽然五颜六色，但并没有冷暖对比的真正色彩

国画特别讲究对墨色的处理，所谓“墨分五色”，不是指不同的色彩，而是指不同的浓淡深浅。在水墨画（非彩墨画）中完全不需要一点色彩，纯黑白灰就能表现一切，相当于西洋画中的素描。在传统国画中，墨色比彩色似乎更重要更基础一些，一般情况下，在已经画好的水墨画上略施色彩，就成为一幅彩墨画。当然，国画对色彩的处理也有很多讲究，比如山水画中就有各种不同的调子，有青绿山水，浅绛山水、金碧山水等等，主要靠色彩来表现，而不是靠墨色，也非常好看，在人物画和花鸟画中，也有许多运用色彩的技巧。

国画与油画之不同在色彩

但无论怎样变化，传统国画中的色彩运用基本没有冷暖对比和环境色这样的概念。当然，现代国画又不一样，它也引入了西洋画色彩对比的技巧，画出来也非常好看，但在传统派看来那不是个东西，不算正经国画。

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

油画基本不用纯黑色，即使看起来很黑的暗部，一般也不用纯黑，多少也要有些色彩倾向，不是发暖，就是发冷。当然，有个别现代派画法，也用纯黑、纯灰、纯白，不带任何色彩倾向。
如果亮部发暖，则暗部就发冷，反之，亮部发冷，则暗部就发暖。当然，这里的冷暖是相对的，不是绝对的。红色一般说属于暖色，但紫红比起朱红、桔红就要冷一些，而绿色也可分出暖绿和冷绿。

国画与油画之不同在色彩

比如一棵树，受光面如果是暖绿，则背光面，面向天空的那一面一般要用冷色，比如蓝绿色，甚至蓝紫色，这是一种冷暖对比。而面向地面的那一面，也许要用暗褐甚至暗红，这又是一种对比，红绿对比，也是冷暖对比，暗红比暖绿还要更暖一些。也就是说，冷暖是对比出来的。
这棵树整体是绿色，这是它的固有色。但正面受温暖阳光照射呈暖绿色，背光面受天空照射呈蓝色，底面受地面反光照射呈暗红，这些都可以叫做环境色。

国画与油画之不同在色彩

当年我画巨幅领袖像，在绿军装的袖口里面，我的老师就用暗红色，我问他：从照片上看，袖筒里是黑的，您为什么画成暗红色呢？他笑答：“这就是冷暖对比了，袖筒里面总是比较暖和一些嘛。再说油画中一般不用纯黑色，总要有点色彩倾向。”
在油画中，即使一颗颗小石子，他决不肯只用深浅色表现立体感，必得画出冷暖不同的色彩变化，以表现每颗石子受光面和背光面的冷暖不同，这样出来的立体感决不同于照片，而是油画所独有的那种丰富色彩。
这种冷暖色对比尤以空中的白云为最，白云体积大，又容易显色，所以特别显眼。
如果是一位从国画转过来的学生，他画白云无非是亮面颜色浅些，暗面颜色深些。只能画出固有色，画不出环境色。而真正的油画不是这样，比如阳光照在白云上，他不会只画成纯白色，而是要微微发一点暖黄，表达阳光的温度。而背光面呢，如果向着天空的那一面，则要画得冷一些，发蓝，或者发紫，因为蓝紫与向阳面的米黄是对比色。而向着大地的那一面，如果大地是红黄色的土壤，则白云的底面也略带红黄色，是整个白云中最暖的一个面。如果大地是绿色的，则白云的底面也要发一点绿。或者这样说，白云也许离地几百米几千米远，但同样也能染上大地或者环境的色彩。

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

白云不是一块简单的面包，它立体结构很复杂，有很多不同方向的面，画的时候要一一分析，每个面都不一样，或向着太阳，或向着天空，或向着大地，色彩都不一样。如此画出来的白云，真是好像能从画面上飞出来似的那么立体，油画的好看就在于此。
如果我们看照片，一般看不出那么多颜色，无非就是深浅不同。即使用肉眼看实景，也觉得跟照片差不多，一般人也看不出那么多颜色。只有真正的油画家的那双受过特殊训练的眼睛才能看出来。
如果我们站在油画老师的背后看他作画，看他把一块白云画得五颜六色，初看也许不能接受，但如果我们也按照他画的部位去用心观察白云，就会发现实际上真的有那些颜色，只是非常微妙，不注意根本看不出来。而画家把那些几乎看不出来的颜色强调了，展示给了我们。如果我们从整体上看仍然是白云，而不是花云，但又很丰富，每一个面都有一点些微的不同，把一块云表现得极为立体。
油画的这种画法也并非从最初就有，我们看那些古典油画，比如文艺复兴时代的油画，那时还不是这样，基本是在室内，以褐色为主调。现代这种画法是从印象派才开始的，他们注重表现阳光下的受光面、背光面的各种冷暖不同的色彩，每一物体都要受到不同方向的环境光的影响，所以又叫做“外光派”。
尤其我们看莫奈的草垛，在种种不同光线环境下，正面、背面、侧面都呈现出不同的环境色，变化极丰富，极精妙。这是国画爱好者们很难掌握的。

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

比如一张脸，我们从照片上看，无非就是深浅不同的肉色罢了，但到了油画家笔下，这张脸就会变得非常丰富，骨骼明显的地方，比如额头会发点黄，肌肉多的地方，比如脸颊、鼻头则比较红润。发际、胡须、眉毛处则发青绿色，这些还都是固有色。如果再加上环境色就更丰富了。暖光源（太阳、炉火、烛光）照射到的那些面，则发暖，冷光源照射的那些面，比如天光、月光、水光等等，则发冷。这样画出来的一张脸，不但颜色丰富，而且整个头脸结构也更加立体，决非照片和传统国画可比。

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

我自己的油画人物写生，也注重冷暖对比

国画与油画之不同在色彩

这幅国画人物虽然画得很好，但明显没有冷暖对比

国画与油画之不同在色彩

66年新疆油画家刘南生画了一巨幅领袖像挂在广场，脸和脖子的背光面照例画了些青绿的对比色，没想到立遭HWB声讨：“老人家红光满面神采奕奕，难道人脸有青绿色吗？”刘大师吓得马上重新修改，一律红色，只分出深红浅红，成了一幅红色素描。
再比如，油画中经常用色彩的冷暖变化来表现距离感和空间感，远景相对于近景就要冷一些，蓝一些。我们看远山，越远越发蓝。其实这也符合光学，天空为什么是蓝色的，就因为大气对蓝光形成漫反射，所以在画家看来，空气本身并非完全透明无色，而是略带蓝色。即使一排逐渐远去的树，也同样是越远越发蓝。这样画成的画，虽然是一张平面，但看起来里面好像有千里万里那样深入进去。

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

国画与油画之不同在色彩

而国画表现远近一般不用色彩而用深浅，近山近树要浓黑一些，远山远树则浅淡一些，越远越淡。当然，现代一些比较新潮的国画也借鉴了油画的这种表现手法，也有冷暖光对比，画得好的其色彩之丰富不亚于油画。
还有一点需要注意，不管油画还是国画，我们只有看原作，才能真正欣赏到它们真正的色彩，如果拍成照片，印成图片，色彩要损失不少，有时就会看不出来那些微妙的冷暖变化。为什么画家一定要去美术馆看原作，就是这个道理。
我对初学油画的爱好者提个建议，想学油画，一定要写生，而且要跟着老师去写生，因为大自然的色彩比任何画作和照片都要丰富得多，只有多写生，才能练出一双从大自然中发现微妙色彩的眼睛。如果限于条件无法去室外，也得画静物写生，而且也须在老师指导去学会分辨冷暖对比的颜色。如果这两种方式都做不到，只能临摹，那么最起码也要临摹名家的油画，因为画家已经替你分析出了大自然的色彩，供你学习。
最不应该做的就是临摹照片，照片的色彩宽容度很低，大自然中的丰富色彩在照片中损失太多，那些微妙的环境色全都没了。而冷暖对比是人眼的一种生理错觉，叫做“后负象效应”。比如本来一块灰色，放在红背景下就发绿，放在蓝背景下就发橙黄，这是错觉。机械电子的相机不可能把这种人眼独有的“后负象效应”的错觉拍出来。所以千万不能临摹照片，越临越没色彩。
也许有人觉得，专业画家们在搞创作时不是也临摹照片吗？他不知道画家们早已在写生训练中掌握了分析提取环境色的本领，再加上美术色彩理论的薰陶，他们能运用理论分析和经验积淀，从没有色彩的照片中“创造”出色彩来，而你不行，你没这个能力。
总之，国画与油画之不同，在国画家看来主要在笔墨（书法功底），油画家很难学到位，国画家一眼就能看出来。而在油画家看来主要在色彩，国画家很难学到位，油画家一眼就能看出来。

2020年9月25日

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