新浪博客
的代表人物。他在美国与欧洲学习艺术后，于1949年进入“艺术学生联盟”(Art
Students League)，并开始在全球的剧场中从事舞台与服装设计。之后，他以抽象表现主义风格试验摄影设计与绘画，逐渐发展出个人的独特艺术风格——融合绘画（Combine
Painting）；这是一种美术拼贴技法，利用生活上的实物与新闻图片组成抽象的画板画。
罗伯特·劳森伯格，《四分之一英里画作》1998年在毕尔巴鄂古根海姆博物馆“罗伯特·劳森伯格：回顾展“的现场。图片：Courtesy photographer Erika Barahona Ede， © FMGB Gugggeneheim， Bilbao。
35年前，当美国艺术大师罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）有了创作世界上最长的作品的想法时，他做梦也不会想到这件作品首次展出的地点会在中国。今年6月，罗伯特·劳森伯格基金会（Robert Rauschenberg Foundation）将与北京的尤伦斯当代艺术中心（Ullens Center for Contemporary Art，UCCA）联手呈现这件名为《四分之一英里画作》（The ¼ Mile or 2 Furlong Piece ，1981–98）的巨型作品。
劳森伯格耗费了近20年时间来创作这件巨作。它由190个部分组成，总长超过1000英尺（约合304米）。自2000年来，这件作品就没有在公开场合亮相过，更从未完整的进行展出。
这件作品将作为6月12日开幕的“劳森伯格在中国“展览的一部分展出，这个展览还包括了一批劳森伯格1985年在中国旅行期间所拍摄的照片。
描绘的世界不应被尺寸所阻挡
该作品的灵感最初源于藏家罗伯特·迈耶霍夫与简·迈耶霍夫夫妇以“劳森伯格”命名的马驹。作品英文标题中的“弗隆”（furlong）是赛马活动中的里程单位，而“2弗隆”则代表劳森伯格位于佛罗里达州俘虏岛的住所与工作室之间的距离，反映出艺术家对艺术与生活关系的持续关注。在谈到创作这件作品的缘由时，劳森伯格曾说过“有一天我醒过来，这个念头把我吓得要死：我一步步地把美国的每一寸拍下来。由此，我失去了所有的掌控权。对于将要发生的一切我一无所知，那绝对是个开放式结局。该结局将拥有无限可能。”他曾把这件作品卖掉但又买了回来，因为他想要可以随时任意地创作它。
它就像是一本日记，一个已经存在的事物的附属品，所以这件特殊作品的展示形式也就像是将无关联的事物置于关联中。将这件作品长达309米，其尺寸做得这么大的原因是，劳森伯格想让人们坐在一个适合的位置上，从而使其更好地融入到画布当中。“现在我在这块画布上描绘的是世界，所以它不能被尺寸阻挡。我觉得人们必须在这里找到属于他们自己的方式来观看，尽管会有一些迂回曲折。”
“转印绘画”（1952-1968）
《四分之一英里画作》中可以看到劳森伯格的“转印绘画”。劳森伯格第一次试验其技术是在1952年去古巴的途中，他将手绘、现成文本，以及报纸和杂志上的图片结合在一起，创作出《无题》（镜子）（1952，Untitled [Mirror]）。创作的早期，他将印刷图像浸泡在水溶液里（后期，将其浸在松节油或是打火油中），随后他将图像的正面朝下置于纸张上，并以干的钢笔尖从其背面在纸张上拓印出一系列影线（hatch mark），最后得到以影线拓出的无边图像单元。他在“转印绘画”中将美国的集体回忆变为脱离于线性历史的其他陈述，把历史图像与当代政治事件并置在一起，这些绘画将一些印刷媒介的片段、手绘及手写文段结合在一起，制作出了一种绘画的诗歌。
《四分之一英里画作》中包含的“过剩”系列
“混合体”（1954—1964）
“混合体”（Combine）是劳森伯格发明的一个术语，用以形容其创作的一系列结合了绘画与雕塑的作品。“混合体”置于墙壁或独立放置，从根本上消除了艺术门类之间的区别。在“混合体”系列作品中，劳森伯格通过将寻常物放置在艺术语境中，赋予了其新的意义。至1954年夏，劳森伯格已经创作出第一件消除了绘画与雕塑界限的“混合体”。劳森伯格扩大了马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）的“现成品”概念，通过组合不相关的物体，并将其融入艺术语境之中，从而使诸如拼布床单和汽车轮胎这样的普通物件获得了全新的意义。在《四分之一英里画作》中，“混合体”也是不可或缺的因素。
劳森伯格的作品中用来自日常生活的图像和物品进行创作，把它们充实进作品的细节，将外面的世界带入工作室。在创作的时候，通常他都会把门窗开着，电视也开着，提醒着自己外面世界发生着的事情。不管是路牌还是旧碎布等等，他曾说过很想消除艺术与生活之间的区别。“事实是生活与艺术有其共通之处。无论什么时候都有人问我，‘已经二十五年了，你怎么看艺术与生活的间隙？’我就说，‘哦，那缝隙早被填满了’。”
罗伯特·劳森伯格，《四分之一英里画作》1998年在毕尔巴鄂古根海姆博物馆“罗伯特·劳森伯格：回顾展“的现场。图片：Courtesy photographer Erika Barahona Ede， © FMGB Gugggeneheim， Bilbao。
35年前，当美国艺术大师罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）有了创作世界上最长的作品的想法时，他做梦也不会想到这件作品首次展出的地点会在中国。今年6月，罗伯特·劳森伯格基金会（Robert Rauschenberg Foundation）将与北京的尤伦斯当代艺术中心（Ullens Center for Contemporary Art，UCCA）联手呈现这件名为《四分之一英里画作》（The ¼ Mile or 2 Furlong Piece ，1981–98）的巨型作品。
劳森伯格耗费了近20年时间来创作这件巨作。它由190个部分组成，总长超过1000英尺（约合304米）。自2000年来，这件作品就没有在公开场合亮相过，更从未完整的进行展出。
这件作品将作为6月12日开幕的“劳森伯格在中国“展览的一部分展出，这个展览还包括了一批劳森伯格1985年在中国旅行期间所拍摄的照片。
描绘的世界不应被尺寸所阻挡
该作品的灵感最初源于藏家罗伯特·迈耶霍夫与简·迈耶霍夫夫妇以“劳森伯格”命名的马驹。作品英文标题中的“弗隆”（furlong）是赛马活动中的里程单位，而“2弗隆”则代表劳森伯格位于佛罗里达州俘虏岛的住所与工作室之间的距离，反映出艺术家对艺术与生活关系的持续关注。在谈到创作这件作品的缘由时，劳森伯格曾说过“有一天我醒过来，这个念头把我吓得要死：我一步步地把美国的每一寸拍下来。由此，我失去了所有的掌控权。对于将要发生的一切我一无所知，那绝对是个开放式结局。该结局将拥有无限可能。”他曾把这件作品卖掉但又买了回来，因为他想要可以随时任意地创作它。
它就像是一本日记，一个已经存在的事物的附属品，所以这件特殊作品的展示形式也就像是将无关联的事物置于关联中。将这件作品长达309米，其尺寸做得这么大的原因是，劳森伯格想让人们坐在一个适合的位置上，从而使其更好地融入到画布当中。“现在我在这块画布上描绘的是世界，所以它不能被尺寸阻挡。我觉得人们必须在这里找到属于他们自己的方式来观看，尽管会有一些迂回曲折。”
“转印绘画”（1952-1968）
《四分之一英里画作》中可以看到劳森伯格的“转印绘画”。劳森伯格第一次试验其技术是在1952年去古巴的途中，他将手绘、现成文本，以及报纸和杂志上的图片结合在一起，创作出《无题》（镜子）（1952，Untitled [Mirror]）。创作的早期，他将印刷图像浸泡在水溶液里（后期，将其浸在松节油或是打火油中），随后他将图像的正面朝下置于纸张上，并以干的钢笔尖从其背面在纸张上拓印出一系列影线（hatch mark），最后得到以影线拓出的无边图像单元。他在“转印绘画”中将美国的集体回忆变为脱离于线性历史的其他陈述，把历史图像与当代政治事件并置在一起，这些绘画将一些印刷媒介的片段、手绘及手写文段结合在一起，制作出了一种绘画的诗歌。
《四分之一英里画作》中包含的“过剩”系列
“混合体”（1954—1964）
“混合体”（Combine）是劳森伯格发明的一个术语，用以形容其创作的一系列结合了绘画与雕塑的作品。“混合体”置于墙壁或独立放置，从根本上消除了艺术门类之间的区别。在“混合体”系列作品中，劳森伯格通过将寻常物放置在艺术语境中，赋予了其新的意义。至1954年夏，劳森伯格已经创作出第一件消除了绘画与雕塑界限的“混合体”。劳森伯格扩大了马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）的“现成品”概念，通过组合不相关的物体，并将其融入艺术语境之中，从而使诸如拼布床单和汽车轮胎这样的普通物件获得了全新的意义。在《四分之一英里画作》中，“混合体”也是不可或缺的因素。
劳森伯格的作品中用来自日常生活的图像和物品进行创作，把它们充实进作品的细节，将外面的世界带入工作室。在创作的时候，通常他都会把门窗开着，电视也开着，提醒着自己外面世界发生着的事情。不管是路牌还是旧碎布等等，他曾说过很想消除艺术与生活之间的区别。“事实是生活与艺术有其共通之处。无论什么时候都有人问我，‘已经二十五年了，你怎么看艺术与生活的间隙？’我就说，‘哦，那缝隙早被填满了’。”