《艺术欣赏》思考题
2012-12-13 13:20阅读：
艺术欣赏思考题
1、简述艺术的内含。
1、艺术属于娱乐游戏文化的范畴，是人们为了满足自己对主观缺憾的慰藉需求和情感器官的行为需求而创造出的一种文化现象。
这种文化现象的本质特点是用语言创造出虚拟的人类现实生活。能够满足人们在主观上的些许的满足感，其功能类似“画饼充饥”，”望梅止渴“。
2、艺术是人们进行情感和思想交流的一种文化形式。
人们进行情感和思想交流是以语言为基础的，艺术实际上是语言的一种，人类有什么样的语言形式出现，就会有什么样的艺术形式产生。人类语言有许多种形式，如口头语言、文字语言、绘画语言、形体语言、音乐语言及现代的电影电视语言等等，艺术的发生在形式上就相应地会出现故事、小说、诗歌、绘画、舞蹈、音乐、电影和电视剧等等艺术形态。
3、对于艺术，通常可以从精神、活动过程、活动结果三个层面来认识。
第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。
第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。
第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。
2、简述艺术分类的四种方法及其
内容。
第一种分类方法是以艺术形象的存在方式为依据，
将艺术分为时间艺术(音乐、文学等)；空间艺术(雕塑、绘画等)和时空艺术(戏剧、影视等)。
第二种分类方法是以人们对艺术客体的感知方式为标准，
将艺术区分为听觉艺术（音乐等)；视觉艺术(绘画、雕塑等)和视听艺术(戏剧、影视等)。
第三种分类方法是以艺术作品对客体世界的反映方式为依据，
可将艺术分为三个类型：再现艺术(绘画、雕塑、小说等)；表现艺术(音乐、舞蹈、建筑等)和再现表现艺术(戏剧、影视等)。
第四种分类方法是以艺术作品的物化形态为依据，
可将艺术分为两个类型：动态艺术（音乐、舞蹈、戏剧、电影、电视剧等）；静态艺术(绘画、雕塑、建筑、工艺等)。
3、绘画的分类方法与内容
1、从绘画工具、材料和技法来分：
绘画分为中国画、油画、水彩画、水粉画、色粉笔画、版画、壁画、素描等画种。其中有些画种因使用材料、工具和表现技法的不同，又可以分成不少艺术形式，如中国画又分成工笔画、写意画（含大写意、小写意）两大类；版画又可以分成木刻版画（黑白木刻、套色木刻、水印套色木刻）、铜版画、石版画、丝网版画、胶版画等。
2、从绘画题材内容来分：西方绘画一般分为肖像画、风俗画、历史画、风景画、静物画等。中国画则分为人物画、山水画、花鸟画。
3、从绘画的社会功能和表现形式来分：绘画分为：招贴画（宣传画）、年画、连环画、漫画、组画、插图等。
4、按表现形式来分：有具象、抽象和意象。
4、绘画的特点
绘画种类十分丰富，不同画种具有不同特点，这里只谈绘画艺术中的一些共同特点：
1、具有长于描绘客观世界和主观世界的特点
2、只能以瞬间的静止的形象反映生活和表现作者思想情感。
3、各类因工具材料和表现技法的不同而形成不同的审美特征。
5、简述中国画的四种分类方式
（1）从装裱形制分：
手卷，卷轴，册页，镜片
装裱是将绘画给予装潢，以便于展示和保存。亦称装池，装潢，装裱，裱褙等。卷：横长，两侧有细木条，可拉线挂画。轴：竖长，下有圆轴，可卷。册：近方形小画：装裱成折叠的册子。镜片：裱成独张，不带挂轴者，亦称片子。
（2）从作品用笔工细或具象抽象方面分：
“工笔”“写意”两大类，（是中国画中两种不同风格样式。）
“工笔”分为工笔重彩、淡彩、白描。
“写意”分为大写意（简笔、泼墨）、小写意。
（3）从表现题材上分：
道释人物、花鸟翎毛、山水
6、简述工笔与写意、画分三科、院体画与文人
画的概念。并能辨别相应作品。
院体画
是指宫廷画院画家的作品。我国最早画院是设立于五代西蜀宫廷，宋代立国后也设立图画院，隶属翰林院，又叫翰林图画院。
“院体画”一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，要求用笔设色，工整细致、富丽堂皇，构图严谨，色彩灿烂，作画讲究法度，具有十分严谨的特点，符合宫廷审美的标准。
文人画
“文人画”是与“院体画”在表现形式与特征上完全不同绘画样式，它最早源自宋代，被称为“士人画”。
“士人画”的称谓除了参与者是“士大夫文人”，还有这些“士大夫文人”的身份不同于“院体画家”，他们是出身平凡、没有社会显赫背景的人士通过科举方式进入朝廷，成为命官。在审美意识上，他们既看不上王室贵族的“镂金错彩”，也看不上民间的“粗糙习气”，他们自己高举“清高”的旗帜，产生独特的绘画审美意识——不喜欢艳丽也不喜欢粗俗，追求朴素文气。由于这样的人参与绘画，带来了不同于“院体画”的特征，他们所追求的审美意识与绘画目的与“院体画”截然不同。
7、理解概念：中国画的“写意性”、中国画的“诗画同体”、“书画同源”、计白当黑、墨分五彩、中国画的“散点透视”、中国画用笔“力透纸背”、“吴带当风”。
写意性
技巧层面：
与工笔画的在熟宣纸上运用细笔勾线、渲染、染色为技巧、具有工整细致描绘的特征相区别，写意画是在生宣纸上用粗笔蘸水、墨、色直接以书写的方式作画、具有率意、潇洒等特征。
精神层面：
也是写意性最本质特征，创作过程中不拘泥于所描绘对象的具体形似，追求笔墨的生动情趣，注重对作者本人情感的抒发与宣泄。
“元四家”之一的倪瓒说：“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳。”
诗画同体——中国画的诗味意境
唐代以前，中国画作者为画工，唐代开始文人介入绘画，如王维。宋代文人广泛参与绘画以后，中国画开始不满足于对于形态与神态的描绘，尤其在对神态描写的基础上，进而表现作者注入物象形态与神态中的神情妙趣。注重传达诗情、诗意、诗韵，追求诗的意境。
苏轼看过唐代王维画之后说：‘‘味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画种有诗。”这句话说的就是“书画同体”。
南宋时期“诗画同体”因宋徽宗赵佶的重视而备受推广。
“计白当黑”——独特构成形式
与西方绘画相比，中国画的显著特点就是善于利用画面的空白。在中国画中，空白是画面的一部分，即使不着一笔一墨，也和笔墨同等重要，这也就是中国画的一大特点——“计白当黑”。
“计白当黑”在绘画中应用表现在：
（1）白的部分和黑的部分同等重要。白的部分处理得好，会起到“不画而画”的妙用，从而达到笔墨所不能企及的绝妙艺术境界。中国画空白产生的
“虚”，能给人带来丰富的想象空间。
（2）白和黑在中国画中具有哲学含义。
二者之间互为辩证关系，道家讲“知白守黑”，即把黑白当做一个整体看待，布置黑白时要二者互相照顾考虑，就像太极图中黑白关系是互相制约的。
白和黑可以理解为“无”和“有”，道教讲“有无相生”。
黑白又可以理解为“色”（物象）和“空”，佛家讲“色不亦空，空不亦色”，也是讲两者是一回事。不过是一个看得见、一个看不见而已。
（3）黑白关系的布置也就是虚实关系的布置，“黑”为“实”，“白”为“虚”。“虚实可相生”，例如“虚”能使得“实”更突醒目。
（4）“黑”“白”还与“取”“舍”有关，从画面的布白来说，空白来自取舍，是作者对于所描绘物象布置的精心概括。清代“扬州八怪”之一的李方膺在《梅花》诗中说得非常到位：“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝。”。绘画中的“取”与“舍”并非易事，“取”什么“舍”什么，需要对物象进行精心的选择、提炼、概括，然后删繁就简、去粗取精，从而使画面达到简洁明朗、以少胜多的艺术效果。
（5）山水画中，对河流、湖泊、山中雾霭以及天空等也都是通过步“白”来完成的。利用周围环境的依托，不着一笔一墨，便知所要交代的内容。例如对于河流的描绘可通过山石之间的留白。
散点透视：
中国画中，对于所表现物象的透视的观察给予弱化。首先就整幅作品来说，并不像西方绘画那样有一个固定的视点，好像画面中的每一个物象都有自己的一个观察点，叫做散点观察法，或者叫“散点透视”。就单元物象来说，也没有西方那样严谨的透视，例如把侧面眼睛画成正面形象，就是从不同角度与视点观察的结果，也是采用“散点观察”与“散点透视”。
散点透视的作用——时间、空间处理的自由性：
散点透视的艺术处理手法，使得中国画在布置画面内容上具有极大的灵活性与机动性。例如可以把不同空间与时间的内容同时布置到同一画面，这方面也正好成就了中国画“写意性”的特征。
“力透纸背”
中国画术语。要求运笔书写时具有极强的力度感，似乎这种力量能直接透过直面而直达背面一样。
“吴带当风”
中国画术语。是对盛唐画家吴道子人物画风格的概述。在用笔技法上，他创造了一种波折起伏、错落有致的线条笔法，所画人物、衣袖、飘带，具有迎风起舞的动势，故有“吴带当风”之称。作为今天用笔力度美的借鉴，就是要求毛笔写出的线条柔中有刚，富有弹性，刚劲而不失飘逸。
墨分五彩
中国绘画的专用名词之一。“墨即是色”，指以水调节墨的浓淡表现事物的五色之相。 “五色”
指浓、淡、干、湿、清，其用意即要求黑色有丰富的变化，犹如有赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫等诸多颜色一样，描绘出事物气韵生动的本象。墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。
8、泼墨、破墨、积墨概念及其作品辨别
泼墨
泼墨法创始于唐代王洽（又名王墨、王默），王洽喜豪饮，醉后解衣磅礴，激清迸发，用墨泼在绢上，然后根据墨迹的形态，画成山石林泉，云雨迷茫，浑然一体，时人称他为“王泼墨”。后世所谓泼墨法，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。行此法，毛笔要大一些。用饱含水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出山石的形体。运笔要胸有成竹，轻重得宜，可以重笔，也可有飞白，随物形而变化，自然可获得墨色丰富、滋润生动的效果。
宋代梁楷、明代徐渭、现代张大千等皆为泼墨画家。
破墨
是专指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。破墨法又可分为四法（浓墨破淡墨、淡墨破浓墨、墨破色、色破墨），各有不同的特点。中国画家齐白石在画虾的头胸部分时，先画淡墨，趁墨色未干时再在淡墨上画浓墨，用墨的自然渗化来表现虾身体半透明的质感。
清代山水画家石涛常用破墨法。历代花鸟画家的写意花鸟画作品，均会用到泼墨法。
积墨
就是在第一遍墨干后在家第二遍甚至第四遍墨，如此层层复加，一层比一层浓重，最后使画面墨色达到一种非常厚重二层次分明的艺术效果。
清代画家龚贤常用此法。
9、西方绘画分类
（1）从工具材料分：油画、水彩画、粉画、素描
（2）从表现题材分：历史画、宗教画、静物画、肖像画、风景画
（3）从艺术流派分：文艺复兴绘画、古典主义画派、印象派绘画、后印象派绘画、野兽派、立体派、表现主义画派、超现实主义画派、抽象主义绘画。
10、油画发展过程：
油画的发展过程分别经历了从壁画到架上绘画，以及从蛋彩画到油画的两个过程。
11、理解概念：壁画
架上绘画、蛋彩画、油画，并能辨识相应作品
（1）壁画到架上绘画：
最初的壁画主要表现为两类：洞穴壁画与建筑壁画。
最古老的洞穴壁画是——西班牙的阿尔塔米拉洞穴壁画，该壁画为1879年西班牙学者考察时发现，壁面画满野牛、野猪和野鹿等动物图形，距今一万五千年的历史。其中代表性作品《受伤的野牛》——要认识作品
建筑壁画，
是装饰于建筑壁面的美术形式。它是随着建筑文明的发展而逐渐形成。欧洲古代建筑壁画主要分布在神庙、宫殿、教堂、庭苑以及贵族的住宅居室中，有的装饰于壁面，有的装饰于藻顶。代表性壁画家如意大利文艺复兴时期时期“文艺复兴三杰”：达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。——要举例作品
架上绘画
也是一切在架上绘制的画的总称，又叫做画室绘画。最初的架上绘画是绘制在木板上的，后来转为在布上绘制。
蛋彩画
采用水溶颜料，又多在壁面上作画，叫做“湿壁画”。使用蛋清或淡黄调和，具有透明、不易覆盖、不易褪色，但干后坚硬易脱落不易保存等特点。15世纪被油画取代。达·芬奇、提香常用此法。
油画
以植物油调和颜料作画，具有易保存的特点。是西方传统绘画的重要内容。15世纪由凡·爱克兄弟发明。
12、油画的产生
蛋彩画和油画是一对师承关系，从产生时间看先有蛋彩画后有油画，油画是在蛋彩画的基础上发展而来的。
由于蛋彩画干后坚硬不易保存，后来画家们发明了用透明漆上光以保护画面的办法，形成了混合技法。达·芬奇的《最后的晚餐》就是采用这种油性蛋彩技法的绘画。达·芬奇对油性颜料进行过多次研究运用，但技术不够成熟，致使许多作品没能留存下来。
14世纪末，尼德兰的两位画家凡
·爱克兄弟找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。专家认为他们最大的功绩是在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒剂速干。杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼的婚礼》一画和他最著名的作品《根特祭坛画》被认为是欧洲油画发展史上的重要作品。
凡·爱克兄弟的油画技法之后，油画作为一个独立的画种在欧洲大陆流行开来。几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。
13、简答下列画派并说出每个画派的的代表性画家：
文艺复兴绘画
古典主义绘画
印象派绘画
后印象派绘画
立体派绘画
野兽派绘画
表现主义画派
超现实主义绘画
抽象主义绘画。
文艺复兴美术
产生于14～16世纪，以意大利为中心，旨在反抗宗教神权，提倡“人文主义”的文化运动。
文艺复兴的绘画是由“神”转为“人”的时代。在文艺复兴之前教皇统治的“黑暗一千年”里，圣母只是一个僵死的神的符号。冷面、呆板、拘束、正襟危坐、高高在上。到了文艺复兴，安吉利科最早把女性生命融入到了圣母的神像中。他的画采用了马萨乔的光线和明暗透视的新手法，既加入了人的因素，又保持了宗教艺术的传统特色，对后来的画家产生了深远的影响。
古典主义美术
产生于16～18世纪，简单讲，是一种复古传统审美标准与题材的行为，具体说，就是用古代的艺术理想与规范来表现现实的道德观念，以典型的历史事件表现当代的思想主题，也就是借古喻今。
艺术特点是：
（1）提倡典雅崇高的题材，庄重单纯的形式，强调理性而轻视情感，强调素描与严谨的外表、贬低色彩与笔触的表现，追求构图的均衡与完整，努力使作品产生一种古代的静穆而严峻的美。
（2）在技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和柔妙的明暗色调，并注重使形象造型呈现出雕塑般的简练和概括，追求一种宏大的构图方式和庄重的的风格、气魄。
现实主义美术
产生于17～18世纪，题材面向生活，一般具有朴素写实、严峻深沉、多使用明暗对比法等特点，追求真实生动和内在感情的表现。
代表画家：法国的柯罗、米勒、杜米埃、库尔贝。
浪漫主义美术
兴起于19世纪前期，在美术作品中具体表现为：取材比较自由，注重色彩和画家情感的抒发，强调发挥艺术家的创造精神。
印象主义美术
19世纪中后期兴起于法国的美术流派。提倡户外写生，追求外光的色彩变化，强调表现直观感受。
代表画家：
马奈（印象派的奠基人之一，唯一没有参加印象派展览的人）
莫奈（印象派的创始人，印象派的代言人，印象派理论的推广者）
雷诺阿（最受观众欢迎的画家，因为他作品中所画的都是漂亮的儿童，花朵，美丽的景色，特别是可爱的女人）、
毕沙罗（最坚定的印像派画家）
德加（用线成就最高的画家）
西斯莱 （色彩最保守、最缺乏内在诗意的画家
新印象主义美术
是继印象主义之后，在法国出现的新画派。主张以光学的分析原理来指导艺术实践，以补色原理的色点并置达到色彩的真实呈现，其手法多用点彩的方式。
代表画家修拉和他的《大碗岛的星期日下午》
后印象主义美术
兴起于19世纪末，反对片面地追求外光与色彩，强调抒发自我感受，强调色彩的心里属性与主观情感的表达，表达主观精神，注重对绘画语言的提炼与解读，强烈的主观化和个性化是其创作的特色。
梵高、高更、塞尚是后印象派的三位代表人物，
梵高作画用笔恣肆，强调色彩的强烈对比，画面充满激情、动感、辉煌明亮。
高更作画严谨理性、具有实验性，阔笔平涂注重和谐而不强调对比。
塞尚严谨理性，注重物体结构的几何分析。
表现主义美术
注重主观情感和内心世界的揭示，不拘泥于视觉特征的真实。
挪威画家蒙克是现代表现主义绘画的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。作品常采用苦闷内心呼唤式艺术手法。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料。
《呐喊》是他的表现主义代表作
立体主义美术
1908年产生于法国，来源于塞尚的艺术观念，抛弃了对客观物象形态的真实描摹，从多个角度观察、结构表现对象，然后将凌乱的形象综合成为一种荒诞、不可思议的新形体。
野兽主义美术
1905年产生于法国松散的美术社团。野兽主义画派吸收了东方和非洲艺术的表现手法，创造一种有别于西方古典绘画的疏、简的意境，有明显的写意倾向，同时追求更为主观和强烈的艺术表现。
超现实主义美术
又叫梦幻主义美术。深受弗洛伊德意识理论的影响，试图突破符合逻辑与实际的现实观念，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对的和超现实的意境。
抽象主义美术
抽象艺术包含两种类型。一类是从自然物象出发加以简约或抽取其富有表现特征的因素，形成简单的、极其概括的形象。另一类是不以自然物象为基础的几何构成。
14、观赏现代艺术大师毕加索影片，理解
（1）简述毕加索的艺术成就与在美术史上的地位。
（2）从作品内容分、艺术观念、历史意义三方面分析毕加索作品《亚威农少女》
（3）简述立体主义对现代设计的影响。
15、雕塑艺术有哪些特征。
雕塑艺术的特征：
造型美——注重将形式美与自然美相结合，创造高于自然美的新形象。
静态性——注重以静态的造型表现运动的姿态。雕塑又被称为“凝固的舞蹈”。
瞬间性、象征性——注重以瞬间表现永恒，以有限表现无限。让人产生联想。叫做“弦外之音”。例如纪念性雕塑、抽象创意雕塑。
思想性、情感性——注重以形体外在典型特征的塑造，表现对象的精神内涵，赋予形体以生命灵魂。例如罗丹的《思想者》、汉代的说唱俑。
16、雕塑的分类
（1）空间占用分类：
圆雕、浮雕、透雕。浮雕分高浮雕，低浮雕
（2）材料加工分类：
石雕，铜雕（金属铸造和锻造），木雕，玉雕、陶塑等等。
（3）功能分类：
纪念性雕塑、主题性雕塑、装饰性雕塑、实用性雕塑以及陈列性雕塑五种
17、雕塑的概念
雕塑是造型艺术的一种。又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。
18、列举欣赏雕塑艺术的要点。
如何欣赏雕塑艺术：
（1）从形体“影像”美的角度欣赏。
“影像”就是作品形体大的起伏呈现的总体轮廓，一件雕塑首先呈现给我们的就是外形特征—“影像”效果。各种雕塑通过自身形体的“影像”给予欣赏者不同的感受。
对于陈列功能的雕塑，“影像”美是最需要的。
（2）从形体本身欣赏。欣赏三维空间美、体积美、力度美、材料形成的肌理美等。不同的形体给与我们不同感受，通过形体可以展示形象的性格、动势、情绪与生命力。米开朗基罗作品的男性健美与拉斐尔作品女性柔美形体给人感受不同，抽象的形体与写实的形体感受不同，石雕、玉雕、铜雕不同质感给人不同感受。
（3）从雕塑和环境的关系欣赏
雕塑作品大多是为某一特定环境制作的，置于室外就要与环境(日影、天光、地景、建筑等)发生关系，这就必需注重环境意识。优秀的雕塑作品与周围的环境协调，能作用于环境，并使环境成为作品的组成部分，共生出新的景观。譬如说城市雕塑，就是指长期置放在城市广场、园林、街头或建筑群前、桥头堡处等固定位置上的雕塑，是对于城市面貌相关的雕塑的总称。优秀的城市雕塑往往成为城市文化的标志，起到美化城市的作用。
