美术所以能产生科学，全从“真美合一”的观念产生出来。他们觉得真即是美，又觉得真才是美，所以求美，先从求真入手。——梁-启-超
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美术所以能产生科学，全从“真美合一”的观念产生出来。他们觉得真即是美，又觉得真才是美，所以求美，先从求真入手。——梁-启-超
远古时期
远古时期更趋向于崇拜自然，陶塑、陶器等多出现动物造型，艺术造型多符合对称、均衡等形式美法则，初具节奏和线条的韵律美。玉器的艺术是区别于其他文明的特色之一。
红山文化的代表，玉猪龙
商周时期
商周时期是我国历史的青铜时代，青铜器具备品类丰富、造型优美、纹饰华丽、制作精巧、风格独特等特点。此外，商周时期，我国已经出现最早期的绘画：譬如长沙楚墓出土的帛画《龙凤仕女图》，以及战国时期的《御龙图》。
商周时期青铜器的代表：四羊方尊
战国时期《龙凤仕女图》
秦汉时期
秦汉时代的艺术品多用于墓葬，以秦始皇陵兵马俑和霍去病墓石刻为代表。而非墓葬品的艺术风格，则逐渐开始受到佛道等宗教和百家哲学影响。
战国错金银云纹铜犀尊
东汉青铜器，马踏飞燕
两晋南北朝时期
两晋南北朝时期是古代艺术发展的重要时期，这一时代中，中原第一次被北方游牧民族大面积占领，分裂而动荡的局势，反而刺激了古代艺术的发展。美学标准逐渐诞生了。比较有名的有文学评价方面，梁代昭明太子萧统所著的《昭明文选》。在《文选》中首次提到了诗文的评判标准，不应由道德观念所限制，而更应该遵照审美价值本身，正所谓“事出于沉思、义归乎翰藻”。
受此影响，齐梁时代的画家谢赫在著作《古画品录》中首次提出一种系统的评价标准，也便是艺术史上颇有名的“谢赫六法”。
六法提出后，古代绘画开始进入理论自觉的时期。后世画家长期将六法作为衡量绘画的标准。宋代美术史家郭若虚评价此为：“六法精论，万古不移”。
这六法分别是：
气韵生动：指作品和作品中刻画的形象具有一种生动的气度韵致，体现出生命力的流动和精神的共鸣。气韵原本出于品藻，被绘画借鉴后，用于作品内容的评价。譬如画人物时，需从姿态、表情中显示出精神气质；画动物时，能表达出其身上矫健的生命力。
北宋范宽的《溪山行旅图》
骨法用笔：是指中国绘画中运笔用墨的基本方法，也是中国绘画与其他绘画种类最大的不同点。中国绘画特别着重线条之美，盖因中国古代绘画全以勾勒线条造型，对象的结构、体态、表情，只能通过以线条的准确性和力量感兼具变化来表达。通过灵活运用中锋、偏锋、笔根、笔肚等毛笔的不同部分，可以呈现出类似刚柔、急缓，墨色的浓淡等等不同的技法。
南宋夏圭的《溪山清远图》（局部）
应物象形：是指描绘对象的形状时，应忠于原物，做到形神兼备。所谓“应物”，在《庄子·知北游》中有过表述：“其用心不劳，其应物无方”。是指人们对待客观事物的态度。六朝的美学思想中，对待描绘对象的真实性还是比较看重的，但是又将其列在气韵和骨法之后。到了后世的发展中，应物象形这一条逐渐产生了分歧。
唐韩干的《圉人呈马图》
随类赋彩：这一法与上一法相似，指的是画家在着色时，要忠于对象。依照所描绘自然界人事物的颜色，来施以色彩。至于色彩本身，则包含墨色（黑白灰）及彩色两种，有时是以墨色来表现物象，有时则以或秾丽或淡雅的彩色来设色。
宋徽宗赵佶的《五色鹦鹉图》
经营位置：是指在画作时，需要精心进行取景构图、安排布局。谢赫曾评价毛惠远时就说其“位置经略，尤难比俦”。唐代张彦远甚至提出“至于经营位置，则画之总要”，将构图放在了绘画的第一位。布局的经营是否得当，是相当重要的。
南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》
传移摹写：这是六法中的最后一项，就是指临摹仿拟的意思（这里并不等同于山寨和造假）。古代画家在学习绘画入门时，往往需要经过临摹练习，才能逐步掌握各种技法。就和书法需要临摹字帖一样。东晋著名画家顾恺之曾在著作《摹拓妙法》中提出过将丝绢蒙于原本之上，忠于原本的准确摹写方法。
两晋南北朝时代，还有一件对中国古代文化影响比较深远的事情，就是佛教大规模进入中原地带。中国的艺术风格中，出现了此前未有了佛教元素。譬如，各地开始修建佛寺、佛塔和摩崖石刻。
龙门石窟
隋唐时代
隋唐时期的开放是有目共睹的。特别是唐代，世界各国的商人和游客出现在长安的街头。大概是受到这种国际化的影响，唐代的审美更倾向于丰满的形体，穿着也较之前开放许多。
在绘画方面，除了一直存在的宗教绘画外，出现了宫廷绘画和文人绘画的划分。这种划分，也深远地影响到后世，两个派别一直为孰高孰低争论不休。
宫廷绘画，又称为院体画，是指中国古代皇室宫廷画家的绘画作品。这些画师专门为宫廷从事绘画创作，一般被称为“待诏”。他们是专业的画师，绘画风格多以工整细腻、细节繁复而写实逼真为主。代表人物有：阎立本、张萱、周昉（后两人更擅长仕女图）。
唐代阎立本的《步辇图》
与宫廷绘画相对应的派别，是文人绘画。
文人绘画泛指中国古代社会中文人、士大夫的绘画。他们讲究作者全面的文化修养，提倡“读万卷书，行万里路”，必须诗、书、画、印相得益彰，人品、才情、学问、思想缺一不可。他们鄙视宫廷画家专注于绘画技巧本身的思维，认为宫廷画缺乏内在精神。
唐代时的王维，被董其昌推为文人绘画的始祖。就是那个写下“大漠孤烟直，长河落日圆”的军旅诗人王维。如此具有画面感的诗句，也能反映出此人绘画的水准之一二。
传为唐代王维的《雪溪图》
值得一提的是，唐朝的艺术风格，在陶瓷艺术上也有所呈现。著名的“唐三彩”便是其中代表。
两宋时期
两宋时期的文人政治和理性思维的出现，使中国古代艺术又一次达到了高峰。在著名皇帝兼画家宋徽宗的领导下，宋朝的宫廷绘画达到鼎盛。
宋朝在建国之初建立了翰林图画院，然后集中了社会上的名西蜀南唐两地的画院画家。翰林图画院归内侍省管理，专门为宫廷及皇室贵族服务。画院通过考试录用或升迁人才，考试标准是：“以不仿前人，而物之情态形色俱若自然，笔韵高简为工”，既要求状物绘形的严格和写实技巧又强调立意构思，多摘取诗句为题目。宋徽宗赵佶对皇家专门的画院即宣和画院的支持，使得院体画在北宋后期达到前所未有的高峰。
宋张择端《清明上河图》局部
而文人画则是另一番景象。
以苏轼为代表的两宋文人，提出了绘画的目的不是为了再现对象，而是为了表达精神的思想。他们常常通过绘画山水、植物、人物来表达自己的感受和想法，达到所谓的“借形寄意”。
北宋苏轼《枯木怪石图》
而此时的山水画，也有一些属于中国艺术的特点，并一直保持了下来。
其一，是不重视光影技法。文艺复兴后欧洲的绘画开始重视光影感觉，是因为光在基督教中是崇高的，是西方绘画中表达神性重要的意象。（神性另一个重要的意象是高大，这也是为什么教堂都要建造得极其巨大的原因）而在中国却并非如此，中国艺术更注重意境，不是不能做到光影表达，而是觉得如果过分追求光影，就丧失了气韵，落入了俗品。
五代董源的《潇湘图》
这种云雾迷蒙、山林深蔚、烟水微茫的寂静之感，是中国山水画的神韵之所在。
其二，是不重视透视技法。这一点也是和西方人相违背的。中国的画师觉得，从一个固定的视角看画面并作画，就会限制了自己的视野和体验（这一点和后来的毕加索可谓不谋而合）。
而且，画家们自身往往在景物中游走数日，才绘出一副山水，他自然也会希望将整个风景通过画卷展现出来。所以中国山水画并非是以空间为展开，而更多是以时间来展开。顺着画幅，跟随着作者一起，时而攀爬于松林间，时而休憩于奇石上，时而踏着水声渡过溪涧，时而循着鸟鸣遁入空山。
传为北宋赵伯驹的《江山秋色图》
两宋时期的宗教题材主要表现在禅宗画上，但已经完全脱离了过去的宗教绘画风格。可以看出时代的变迁，也给艺术风格带来巨大的变化。比较有名的禅宗画有：
南宋梁楷的《六祖砍竹图》。
元代
虽然是一个非汉族统治的朝代，但中国艺术并没有如想象般消亡。虽然宫廷画比之两宋降至了历史低谷，但文人画却罕见地发扬光大。元代最著名的当属赵孟頫和“元四家”。赵孟頫在中国山水画历史中可谓是承前启后的人物，虽然他以货真价实的“赵家人”身份出仕元朝多多少少给他背上了骂名，但他的画作是一种全新风格的开启。
元代赵孟頫《鹊华秋色》
元四家：黄公望、倪瓒、吴镇和王蒙都或多或少受到了赵孟頫的影响，但又各具特点。黄公望的画作继承了董源、巨然的展现出一种宽阔、松弛和沉静的美感。他的名作《富春山居图》前一阵子也因为同名电影的缘故而大热。
元代黄公望《富春山居图》无用师卷
倪瓒和王蒙则像两个极端，倪瓒的大副留白和简约用笔，被称为“惜墨如金”。而王蒙则恨不能将画面填满，每一个细节都充满了密集的笔法。
元代倪瓒《紫芝山房》